Aline Breucker : C’est un projet qui était en gestation depuis très longtemps. Une rêverie autour du costume de cirque, de son imagerie, du costume de cirque contemporain, et comment le costume traditionnel nourrit les imaginaires d’aujourd’hui. Ce rêve re-nourrit notre imaginaire en duo. Ce sujet m’anime puisque je crée des costumes pour d’autres compagnies depuis toujours. On s’est demandé pourquoi ne pas inverser le processus créatif : commencer par une intuition au travers du costume, et ensuite seulement passer au plateau. Cela faisait longtemps que j’avais envie de travailler avec une équipe de costumières. Nous sommes quatre ici pour mettre à l’honneur ce métier souvent dans l’ombre dans le milieu circassien. Dernière roue du carrosse, il arrive trop souvent en fin de processus.

Cette fois encore vous ne serez pas au plateau. Comment se passe l’écriture de ce spectacle ?

AB : Notre pratique artistique naît de nos deux imaginaires qui se rencontrent. J’aime penser en images et Quintijn en mouvement. Nous projetterons nos envies sur les cinq artistes au plateau. Les auditions n’ont pas encore eu lieu mais nous savons que nous cherchons des profils de contorsionnistes, jongleurs, acrobates… Ils défileront sur un podium (catwalk) avec les 35 silhouettes en cours de fabrication. On a hâte de voir qui va porter quoi. C’est un processus libérateur : on est obligé de faire confiance à notre intuition ! Side-Show, le nom de la compagnie, renvoie aux à-côtés des anciens numéros de cirque, avec des êtres étranges et des monstres qui fascinent. Nos costumes revisitent cette imagerie du clown blanc, de Monsieur Loyal, de la Femme à barbe, des animaux du cirque, etc.

Comme votre précédent spectacle, CATWALK respectera les codes « la performance relaxée ». En quoi cela consiste-t-il ?

Quintijn Ketels : Le concept de “relaxed performance” vient d’Angleterre. Il s’agit d’adapter un spectacle pour en favoriser l’accès aux personnes neuro-atypiques qui ont besoin d’un environnement le plus détendu possible. C’est un paradoxe de rendre un défilé, par essence élitiste, totalement accessible et inclusif. La partition musicale, signée Maxime Steiner, offrira un silence habillé, avec une musique en crescendo. Le public (préparé en amont) pourra prendre des photos, même avec flash, dans un esprit participatif. Et comme pour tout défilé, les artistes travailleront beaucoup la marche : ce sera notamment l’objet de notre résidence à La Brèche. On espère que Catwalk, qui mêlera abondance, étrangeté et beauté, ne sera pas qu’un one shot et qu’il constituera une étape vers d’autres pièces.

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Bambou Monnet: Nous voulions partir sur une nouvelle création à deux, avec un autre forme que celle de Vilain chien. Nous avons beaucoup hésité à proposer une création classique, en duo, mais dès la première semaine de travail, nous avons opté pour une forme hybride. Cela nous correspond davantage et c’est ce qu’on nous dit toujours de notre travail. Il se trouve que depuis plusieurs années, on nous invite à présenter des tombolas, mais bien sûr sans spectacle et des lots différents à chaque fois. J’adore ce format ! Depuis quelques temps, Théo développe des activités manuelles (cyanotypes, papier mâché, sérigraphie, photo…), et de mon côté je réalise de nombreux collages. On a pensé que ces réalisations artistiques pourraient constituer les lots de notre tombola.

Vous avez souhaité une forme courte, d’environ 35 minutes. Pourquoi ?

Théo Lavanant : Nous sommes tous les deux impatients, dans la vie. Nous n’aimons pas perdre notre temps et très vite, nous trépignons. On s’est rendu compte que dans les festivals, il y a souvent des moments de battement entre deux spectacles ou entre deux concerts, le temps des changements de plateau. C’est un moment mort où parfois, certains spectateurs finissent même par partir. D’où l’idée d’insérer cette forme de tombola- spectacle, telle une pastille. Elle permettrait de garder le public tout en l’amusant avec un intermède assurément populaire qui plait à tout le monde et qui ne veut surtout pas toucher une élite. C’est quelque chose auquel nous tenons autant dans notre vie personnelle que professionnelle. Dans un premier temps, nous travaillons sur la conception des lots.

Et comment va se dérouler la phase de l’écriture ? Quelle part de cirque trouvera-t-on dans Super la Tombola ?

BM : Ce sont les lots à gagner qui dessineront la trame du spectacle, et nous consacrerons d’ailleurs des demi-journées entières de résidence à leur fabrication. Nous ne nous éloignerons pas de la dramaturgie du cirque traditionnel. Pendant la tombola, le public peut être assuré d’en trouver les caractéristiques : le grand frisson, la poésie et bien sûr un moment de prise de risque avec un saut dans un cerceau en feu comme on le pratiquait autrefois avec les tigres. Le tigre, figure foraine et spectaculaire, sera une notion importante du spectacle, notamment à travers le costume que portera Théo. Super La Tombola sera une forme légère, même en ce qui concerne la musique en live, avec juste un synthé, nos enceintes et un micro. C’est un projet format pocket, c’est surtout un projet plaisir !

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Angèle Guilbaud : C’était mon idée, au début. Avec l’envie, en festival, de pouvoir proposer les deux solos enchaînés. Et si dans le premier j’évoquais l’enfance, je souhaitais cette fois aborder l’adolescence et l’ennui. Même si on retrouve plusieurs personnages d’ANGÈLE, dont certains auraient mûri, il ne s’agit pas d’une suite. C’est bien un autre spectacle. Ce qui est commun, toutefois, c’est que c’est une nouvelle fois une forme conçue pour l’espace public, ou en intérieur mais dans des lieux non dédiés, comme des gymnases. J’ai un autre souhait sous-jacent ici : celui de réaliser une figure de cirque acrobatique bien précise. L’idée serait de faire une figure accrochée à une barre par les pieds. Pour cela il fallait inventer un agrès et ne pas utiliser un portique classique.

Et votre choix s’est porté sur …une cage de foot. Pourquoi ?

AG : J’ai cherché une infrastructure que l’on trouve absolument partout. J’ai d’abord pensé à une balançoire et finalement j’ai opté pour la cage de foot. On a construit une structure auto-portée qui ressemble, de près comme de loin, à un but. En découle tout un univers spatial, celui du terrain de sport, parfois un terrain vague, un parking ou même celui d’une cage dessinée sur un mur. J’utilise cette structure comme scénographie et comme agrès. J’incarne plusieurs personnages dans ce décor, dont l’adolescent Angelo, un stagiaire en sweat à capuche qui traîne, s’ennuie et qui guide le public dans le vaste espace scénique, au début du spectacle. Tous les personnages ont chacun leur manière de parler, leur ambiance sonore et leur couleur. Le dernier c’est moi, Angèle la circassienne.

Pour ce spectacle vous avez changé de modalités d’écriture. Comment procédez-vous ?

AG : C’est en effet la première fois que je co-écris un spectacle avec un comédien et metteur en scène. Il s’agit de Cyril Puertolas, issu du théâtre de rue et dont je n’avais jusqu’alors jamais vu le travail. Émilie Dubois, ma complice à la production,nous a mis en connexion, je lui ai donné carte blanche et nous avons passé trois jours ensemble autour de mes envies, d’improvisations, de cours de dramaturgie et de jeu d’acteur. Ce fut un coup de cœur artistique partagé et j’ai souhaité qu’il écrive la pièce avec moi. C’est là que sont nés les personnages, inspirés de la série Twin-Peaks, des films de Roy Andersson et d’un roman de Laura Vasquez. À chaque fois, un simple accessoire suffit à les identifier, comme par exemple une perruque. Et puis bien sûr, il y aura du hula-hoop !

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Jean-Baptiste André : Ce qui nous avait beaucoup plu dans ce premier duo, c’était les défis qu’il posait. Notamment de s’emparer de la langue de Koltès – à travers la pièce Dans la solitude des champs de coton -, de travailler la dramaturgie, d’en venir à la prise de parole, et d’aborder la chorégraphie en écho. Il ne s’agit pas d’une suite à proprement parler, mais de la continuité d’une démarche. Dimitri Jourde est motivé par l’envie de continuer à travailler physiquement ensemble et de partager la même appétence pour le mouvement : nous sommes tous deux issus de l’acrobatie, avec des parcours d’interprètes comme acrobates-danseurs, pour nos propres projets ou ceux des autres. Au commencement de cette nouvelle création, il y a l’envie résolue de nous tourner vers le genre théâtral une nouvelle fois.

Non seulement vers le théâtre mais aussi vers la figure du clown…

J-BA : À des niveaux différents, nous avons tous deux travaillé cette figure, de manière concrète ou de façon épisodique. Ici, notre défi est d’en faire un point d’entrée, une base de travail. Ce qui nous plaît, c’est de repartir sur une recherche avec un univers théâtral fort. Dans le spectacle Deal, nous étions portés par les mots de Koltès. Cette fois, nous nous inspirons de ceux de Samuel Beckett. Notamment la pièce En attendant Godot et de son roman Mercier et Camier, qui met en scène deux personnages partant à l’aventure, entre péripéties et déconvenues. Cela nous intéresse de prendre appui sur un univers littéraire, afin de mieux nous en affranchir. Nous partons d’improvisations et d’écriture de plateau, pour les retranscrire par la suite dans notre langage commun.

Avez-vous déjà une idée de la scénographie et de l’esthétique de ce projet mêlant cirque, théâtre et littérature ?

JBA : C’est un défi que d’aller ensemble vers le clown. Il s’agirait de jouer avec le presque rien, dans un minimalisme scénique. Nous aimons l’idée de ferrailler avec peu , en laissant la place aux corps, aux gestes et à la voix. Nous nous inspirons également du cinéma, notamment celui de Godard pour son sens des dialogues, mais aussi du sens du cadrage et du montage. Le projet sous-tendra divers registres de jeu – le tragique, le comique, l’absurde, la grâce – et jouera sur le degré d’interprétation. Il y a cette mise à distance possible : deux interprètes qui jouent deux personnages, qui eux-mêmes endossent un rôle. Est-ce qu’on joue à jouer ? Comment fait-on semblant ? C’est une mise en abîme, un jeu du théâtre dans le théâtre, avec un public qui devient complice de ces altérations du réel.

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Kim Marro, Liam Lelarge : Nous avions pris plein de notes pendant la création de La Boule, et mis des idées de côté. Lors d’un laboratoire de huit semaines à Nexon, nous avons imaginé une nouvelle création et c’est là que nous avons tenté plusieurs de ces pistes restées en l’état. Parmi elles, il y avait la boule à facette. Nous l’avions testée sous un chapiteau à l’occasion d’un mariage en 2024 et elle s’était soldée… par un véritable échec ! Nous étions plus pendues que suspendues, rien ne tournait comme prévu et les gens ne venaient pas danser en dessous, mais on s’est dit qu’il y avait un truc à faire avec ça et tant pis si cela ne fonctionnait pas : on adore le côté pathétique. Comme dans La Boule, il y aura beaucoup de paillettes dans Toupie, et nous évoluerons dans un univers très kitch.

Quelle scénographie se dessine à quelques mois de la création, dans SPRING 2027 ?

KM, LL : On frôle parfois la limite du ringard. On souhaite que cela nous fasse rire, fasse rire le public, et pour cela intégrer davantage de passages parlés. Dans cet univers coloré, clinquant et brillant, il y aura un kiosque, plein de costumes, de transformations et beaucoup d’empathie. Notre envie était de tourner à deux pendant cinquante minutes, mais le tournis arrive très vite et nous avons dû nous familiariser avec cette donnée. On s’est également dit que nous pourrions faire tourner des objets comme les staffs (bâtons), mais là encore le vertige est apparu. Nous étudions la possibilité de tourner l’une sur l’autre, de former une toupie humaine. Nous sommes accrochées à des baudriers, mais nous cherchons à éviter le registre de la danse verticale ou aérienne.

Les costumes, la lumière et la musique ont une grande importance dans ce spectacle. Avec quelles esthétiques ?

KM, LL : On aime voir ce que le costume raconte sur scène, comment il peut se transformer, se retourner. Pour Toupie, nous aurons des drapeaux-pantalons, des franges, des casques de rugby et peut-être des pinatas* humaines ! Comme pour La Boule, on travaille avec Madeg à la musique et Jérémie à la lumière. Madeg rajoutera ici une touche électro tout en revisitant de vieux hits. Pour la lumière, on aimerait que tout soit fixé sur notre kiosque, comme les guirlandes lumineuses. En regard complice, nous profiterons de Nanda Suc pour nous faire avancer, ou dériver, mais aussi Benjamin de Matteïs et Mickaël Le Guen, de la compagnie Sacékripa. Ils évoluent en duo depuis longtemps et ils parviennent à faire des choses simples avec pas grand chose… alors on compte sur leur expérience !

* Pinata : figurine suspendue remplie de sucrerie et que des enfants viennent briser avec un bâton

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Marie-Laure Baudain : Après les deux premières créations – un solo puis un duo – m’est venue l’envie de retrouver une bande sur scène, et de faire groupe, faire chœur. On voit assez peu de spectacles avec plusieurs clowns au plateau. Cela me permet d’évoquer la hiérarchie chez les clowns (clown blanc, Auguste, pitre, contre-pitre, etc.), et de voir comment cette mini société fonctionne : qui a le pouvoir, qui impulse des actions et qui les suit. Nous serons cinq au plateau et je suis à la fois interprète et metteuse en scène. Le titre vient d’une expression de ma grand-mère, qui catalyse bien ce que j’aime dans le clown, comme l’innocence et la naïveté. Finalement, c’est peut-être chez ceux qu’on croit les plus inadaptés que l’on trouve le plus de richesses, de bonté, d’humanité et de poésie.

Vous revisitez l’art du clown du cirque traditionnel mais pas seulement, puisque vous aimeriez inviter des majorettes au plateau…

MLB : J’aimerais beaucoup travailler avec des clubs de majorettes locaux qui seraient intergénérationnels. Leur discipline, qui appartient à la fois à l’espace public et à l’espace artistique, disparaît alors même qu’elle est ritualisante et dans la transmission. Je leur consacre un tableau isolé, une féerie qui débarque soudain dans la salle, à la grande surprise des clowns. Lorsqu’elles quittent le plateau, ils se demandent s’ils ont rêvé. Il ne s’agit pas d’un spectacle mélancolique ou nostalgique. Mais je dresse un constat sur un cirque d’autrefois qui tend à disparaître, et notamment les clowns, qui faisaient les entrées et les intermèdes pour distraire le public. Nous allons donc revisiter ces entrées classiques pour redonner vie à une photographie qui s’estompe avec le temps.

Musique, costumes, inspiration cinématographique – de Fellini à Bruno Dumont. Comment décririez-vous vos choix de mise en scène ?

MLB : Nous travaillons sur des trompe-l’œil visuels, tout en assumant de montrer les ficelles au public. Il y a un côté artisanat, voire arte povera, où l’on crée par exemple un géant dégingandé avec deux fois rien. Nous développons une scénographie mouvante, à l’image des costumes, très importants dans cette pièce. Notre costumier, qui travaille de beaux tissus, joue des différences de taille entre nous et remet à l’honneur le costume traditionnel avec des clins d’œil aux Augustes, instinctifs et triviaux, ou au clown blanc, davantage dans la maîtrise. La musique sera interprétée par un accordéoniste, que je transforme ici en véritable homme-orchestre avec grosse caisse, cymbales, etc. Enfin, dans l’idéal, ce spectacle est voué à être joué sous chapiteau… un décor à lui tout seul !

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Anna Tauber : Le Vide était un spectacle sur une acrobatie à grande hauteur, sans sécurité, avec l’envie d’aller chercher dans les fondements de l’écriture du cirque pour mieux comprendre cet art insaisissable. Il y avait donc déjà une dimension très documentaire, de nouveau présente dans la forme courte Dans ton cirque, avec un travail de montage sonore accompagnant l’acrobatie sur corde à deux. Avec Suzanne : une histoire du cirque, nous avons plongé dans le cinéma documentaire. Pour nous, le cirque a un rapport à la réalité assez particulier. Sur scène, les artistes font ce qu’ils ont appris, en leur nom et pas celui d’un personnage : le réel prend toujours le pas sur la fiction. La vidéo complète ce rapport au réel brut et ramène des choses impossibles à voir sur scène parce que saisies dans la vie.

Comme par exemple les témoignages et les archives dans Suzanne. Poursuivez-vous dans cette direction ?

AT : La Nostalgie de l’acrobate pourrait constituer une synthèse entre Le Vide et Suzanne. Nous voulons ramener de l’acrobatie spectaculaire au plateau. Pour cela, on convoque deux agrès archétypiques du cirque : la bascule et le trapèze volant, deux disciplines qui permettent des envols très forts et émouvants. Mais c’est compliqué d’installer un trapèze volant sur scène ! Fragan, qui s’y intéresse depuis longtemps, aimerait proposer une évocation de l’agrès sans un collectif de trapézistes conventionnel, la recherche est en cours… Bien sûr la dimension documentaire sera encore présente ici, pour montrer le processus en filmant notre travail et en montrant documents et archives. Il y aura toutefois moins de vidéos que dans Suzanne parce qu’on veut faire la part belle à ce qu’il se passe au plateau.

Comment se construit la scénographie de ce quatrième projet de la compagnie ?

AT : Les archives vidéo permettent de montrer des choses qui se sont faites et qui ne se font plus, ou que l’on a oubliées. Elles permettent aussi de comprendre ce que l’on voit sur scène. Elles ramènent une couche de temps de la fabrication d’un spectacle, pour comprendre qui est cette équipe. La distribution est en cours. Elle comprendra au moins cinq acrobates – dont un qui est à l’origine musicien – et des rôles scéniques comme le créateur lumière, que l’on aimerait rendre visible. On a monté pour ce projet un collectif de bascule à partir d’artistes que l’on connaît depuis longtemps ; mais nous n’avions jamais travaillé tous ensemble. Nous réunissons ces circassiens qui approchent de la quarantaine, avec l’idée de cramer nos dernières cartouches et de tout donner pour ne rien regretter !

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