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Avec Ezra, Sinking Sideways fait les tout premiers pas vers quelque chose de nouveau. Une approche de travail différente, qui met l’accent sur la multitude de possibilités qui se présentent au sein d’un processus de recherche et sur la manière de les explorer. Ezra est prévu comme un processus de recherche continu aboutissant à une série de performances.
Renouant avec le thème des espaces confinés déjà abordé dans leurs deux premières créations, ils se limitent à une surface encore plus petite : leur espace de travail sera une plaque tournante de 80 cm de diamètre !

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Dans cet appel à faire avec ce qu’on a sous la main, les deux performeurs manient les lumières et le son depuis la scène, donnant ainsi la possibilité au public d’avoir accès à tous les artifices qui font spectacle. Les spectateur.ices sont témoins de la mise en place des différents éléments qui composent une scène tout en ayant la possibilité d’être touché·es émotionnellement par elle. Une sorte d’illusion consentie à laquelle iels s’adonnent par plaisir du jeu.
Ce jeu entre le intra-diégétique et l’extradiégétique permet au public de comprendre de quelles manières ses émotions sont amenées à voyager d’un état à l’autre. Cette démarche est menée dans une idée d’honnêteté envers les personnes du public, qui
peuvent consciemment décider de se laisser toucher par le spectacle en sachant de quoi il est fait.

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Les choix tremblants / cirkus nevkus est une image onirique d’un clown non clownesque, d’un artiste qui porte avec lui toute son histoire en espérant trouver sa place sur la scène, dans le monde. Le spectacle s’inspire à la fois des codes du folklore slovaque et d’un art du cirque « non actuel », avec le désir de retrouver une timidité excentrique — ou une excentricité timide — presque intimidante à regarder. Cette figure oscille entre le minimalisme corporel dans sa forme absurde et les grands gestes des spectacles pailletés qui nous emmènent au cirque. Une quête de la perfection, tantôt comique, tantôt tragique, quelque part entre archive, souvenirs tremblants et pure intuition. Entre sacré et profane. Entre actuel et inoublié. Les choix tremblants…

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Un conférencier-philosophe, entouré de trois jeunes artistes de cirque, essaie de mieux comprendre l’étonnant et énigmatique déni écologique qui nous paralyse. Mais cette conférence, bien ordonnée au début, finit par vriller, nous entraînant dans des lieux, des espace-temps de plus en plus incongrus (la forêt, la mer, etc.). La magie du cirque élargit progressivement le propos philosophique, fait entendre, par les corps, des idées nouvelles pour un monde meilleur et met en lumière la poésie possible de notre avenir terrestre.

L’idée derrière ce spectacle sur le déni environnemental est de transmettre une joie artistique et une force esthétique qui permettent au public de supporter une vérité sur l’état de notre planète, plus grande que celle qu’il accepte habituellement. Une approche artistique du problème écologique est essentielle pour donner aux citoyens des outils affectifs, poétiques et intellectuels. Cela permet de transformer ce problème en une opportunité d’imaginer une vie nouvelle, plus harmonieuse et plus heureuse.

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Coline MAZUREK : Ce spectacle est parti du constat que je suis femme, mère et artiste. La maternité soulève le fossé des inégalités entre hommes et femmes. Au début c’était une réflexion personnelle. Mais j’ai réalisé que d’autres femmes avaient constaté les mêmes choses, quel que soit leur milieu social. Si nous étions beaucoup à penser cela, c’est qu’il y avait, à mon sens, matière à en parler et à en faire quelque chose. J’utilise la maternité comme un révélateur. Je pars de mon parcours très classique où j’ai coché toutes les cases : blonde, carré, frange, enfance dans le 92 (les Hauts de Seine, donc privilégiée), danse classique, piano, gym, gymnastique rythmique, parcours circassien élitiste – à l’Ecole Nationale des Arts du Cirque à Rosny-sous-Bois, puis au Centre National des Arts du Cirque à Châlons-en-Champagne. Or aujourd’hui, je galère. Seule explication : la maternité est venue tout modifier, autant mon corps que mon statut social.

Vous êtes voltigeuse en portés acrobatiques mais ici, vous optez pour d’autres disciplines.

CM : J’ai découvert la pole dance il y a quelques années et j’ai très vite accroché. J’y ai vu l’opportunité de concrétiser un de mes objectifs de carrière : écrire un solo. Parallèlement j’ai suivi une formation de stand-up, que j’ai tout autant adoré. Je trouve des points communs entre l’écriture séquencée du cirque et celle du stand-up. J’ai eu envie de mêler ces deux disciplines, stand-up et pole dance, deux formes populaires, pratiquées souvent dans les mêmes clubs et donc cachées, pour en faire un art circassien. La pole dance est très connotée, avec un corps féminin fait pour assouvir le désir masculin. Le phénix est un symbole de renaissance. PHENIXE, titre de ce solo, célébrera les femmes qui trouvent la force de se réinventer, par-delà les contraintes qui leur sont imposées par la société.

Et comme vous dites avoir fait « autant d’années de cirque que de thérapie », le spectacle se déroule dans le cabinet d’un·e thérapeute.

CM : Vu que je parle de moi et de qui je suis, cela fait sens. Je jonglerai entre stand-up, pole dance et mouvement dansé autour du fauteuil du cabinet. L’humour sera présent, comme dans mes autres pièces. Pour évoquer des sujets qui tiennent à cœur, je trouve que l’ironie aide à relativiser, rire jaune pour mieux libérer les tensions et parler de tout. Pensé au départ pour la salle, le spectacle se jouera finalement en extérieur, pour rendre la culture accessible à tous et mettre une barre de pole dance sur la place publique ! À La Brèche, je travaillerai les deux premiers jours avec la dramaturge Pauline Dau pour tester les premières idées de texte et ensuite avec la chorégraphe Julie Tavert. Ce qui m’importe, c’est que le public – homme ou femme – s’identifie et puisse redéfinir les rôles de chacun.

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Nous nous étions toutes les deux inscrites sur le fichier de mise en relation du dispositif Auteurs en tandem. Nous nous sommes rapprochées l’une de l’autre en constatant, en effet, notre attrait commun pour les contes et nous avons postulé. Nous avions un autre point commun : la verticalité. La mienne avec mon agrès de la corde lisse, et celle d’Olivia qui a souvent placé les personnages de ses contes dans les airs, comme ceux de Ma vie d’ogre, qui vivent dans une éolienne. En posant nos axes de recherche, nous sommes tombées d’accord sur un postulat de départ : la chambre d’enfant. Dans cette pièce propice à l’imaginaire, tout est possible, tout peut se transformer en aventure, qu’elle soit magique ou horrible.

Cela fait longtemps qu’en tant qu’acrobate aérienne, je cherche à écrire une histoire autour de l’air et du ciel. J’ai proposé à Olivia ce point de départ et ensemble nous allons plonger dans la mythologie nordique qui contient beaucoup de croyances différentes en lien avec le ciel. J’ai déja un peu travaillé autour de la mythologie finlandaise avec mon spectacle Metsä-the forest project, que nous avons joué avec Sade Kamppila pour le festival SPRING 2019 ; et je reste attirée par cette mythologie.

Nous aimerions aussi tester plusieurs choses scénographiques lors de nos résidences, notamment une idée de scénographie changeante faite en laine / ficelles inspirées par les balles de jonglage créées par Jay Gilligan et Éric Longequel. Nous nous retrouverons donc toutes les deux pour écrire et expérimenter des choses au plateau lors de nos temps de résidences, dans le cadre d’Auteurs en tandem. Pour nous, c’est précieux de travailler sans le stress de proposer une production rentable et chiffrée. Disposer de temps en laboratoire de recherche est une chance.

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C’est un ami commun qui nous a présentées l’une à l’autre, sachant que nous partagions le même souci de l’écologie et du rapport au vivant. Il savait aussi qu’Héloïse autrice de pièces de théâtre, cherchait un·e artiste issu·e du cirque pour intégrer Auteurs en tandem. De mon côté, je connaissais Artcena, mais pas ce dispositif.

Dès notre première rencontre, nous avons constaté que nous partagions en effet un même souci écologique. Adolescente, j’étais déjà militante à L214 et cela a toujours influencé mes productions. Héloïse, elle, a écrit une pièce inspirée du scandale des algues vertes en Bretagne. De fil en aiguille, nous avons rédigé une note d’intention pour notre candidature. Un questionnement est apparu : comment le capitalisme et le patriarcat influent sur nos corps ? Dans nos sociétés, on se distancie de nos corps pour se concentrer sur le profit ; mais le cirque, lui, remet le corps en lumière. Moi je performe en aérien et avec le feu, deux disciplines où je me mets en danger. On a trouvé intelligent de se mettre en danger sur scène, justement, pour rappeler combien notre corporalité est précieuse.

Nous allons trouver une synergie. Ce projet lie nos pratiques et nos convictions personnelles et politiques. Nous voulons éviter de juste faire voisiner une dramaturge qui réciterait un texte et une circassienne qui le mettrait en corps. Ce ne serait pas assez organique. Ce qui est prévu, c’est que j’initie Héloïse à quelques pratiques circassiennes, et qu’elle m’initie au jeu et à la dramaturgie. Ce sera nouveau pour moi, qui performe d’habitude à cinq mètres du sol. Mais c’est un défi que je suis prête à relever et j’ai hâte. Heureusement, nous avons plusieurs temps de résidence pour dépasser nos peurs, performer ensemble et constituer un vrai tandem !

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